HELI-ART

2013/2014 Think about Freedom

Der Äquator - Breitengrad Null.

Mit einer Länge von 40.075 km ist er die längste Grenzlinie der Welt – und damit genau der richtige Ort für Heiner Börger, seine Werkserie „Think about Freedom“ zu beginnen.

Äquator bedeutet übersetzt „Gleichmacher“. Er teilt die Erde in die Nord- und die Südhalbkugel. Wenige Kilometer nördlich von Nanjuki, Kenia, verläuft er vor der imposanten Kulisse des Mount Kenia.

Genau dort wird der Künstler auf beiden Seiten dieser Grenzlinie Leinwände positionieren. Während des Kunst-Events wird er dann mit dem Hubschrauber immer wieder den Äquator überqueren und jeweils sowohl auf der Nord- als auch auf der Südhalbkugel auf den Leinwänden aufsetzen. Mit den Kufen werden Farb-Elemente der Werke von beiden Seiten der Erde gegenseitig übertragen. Heiner Börger versteht diese Farb-Übertragungen symbolisch als gegenseitigen Austausch, als Beeinflussung, Bereicherung, Beflügelung - und als gemeinsame Entwicklungsmöglichkeit für ein neues Ganzes.

Die Idee zu “Think about Freedom“ ist eine konsequente Weiterentwicklung der bisherigen künstlerischen Arbeit von Heiner Börger. Das 60. Jubiläum der Berliner Luftbrücke im Jahre 2009 war für ihn schließlich die Initialzündung, um seine bisherige Kunstform in diese besondere Richtung zu lenken.

Heiner Börger hatte die große Ehre, Gail Halvorsen, einen der Rosinenbomber-Piloten, der nach dem 2. Weltkrieg die Luftbrücke selber mitgeflogen hatte, persönlich kennenzulernen. Anlass war ein ganz besonderer gemeinsamer fliegerischer Einsatz auf der Air Base der US Air Force in Wiesbaden. Dort, wo die Luftbrücke einst startete, flogen die beiden zusammen einen original „Candy Drop“, jedoch nicht mit einem Flugzeug, sondern erstmalig mit einem Hubschrauber! Von Börger pilotiert, warf der inzwischen 84jährige Gail über einer begeisterten Menschenmenge von 30.000 Zuschauern genau wie damals Kaugummis und Schokolade an Taschentuch-Fallschirmen ab – zum Gedenken an die bis heute einzigartige und weltbedeutende Pionierleistung der Alliierten.

Heiner Börger beschreibt ein für ihn wegweisendes Gespräch mit Gail so:
“Before boarding the helicopter I had a chat with Gail – it was about flying and freedom. Gail said to me: "Heiner, you know, I always flew for the great fun of real freedom, and back then when I did those flights for the air-lift and dropped the candies for the kids, I was about your age! It was at this time that I learned something very important: I learned that freedom also means responsibility and commitment!"

I was moved by Gail´s words as I said: "I understand you and as a younger German will be forever grateful to you for sharing your experience with me! And after several moments of contemplation, I said to him: So let´s go and fly for freedom now!" Gail smiled at me and nodded. We then went on board the aircraft and performed the world´s first Candy Drop from a helicopter!”

2012 Gold Strike, Las Vegas Valley, USA

Knallige Farben, so bunt wie Las Vegas selbst! Das besondere Klima mit Sonne, Wind und Wüstenstaub ließ die Farben extrem schnell trocknen und aufbrechen. Eine symbolische Dollarnote liegt in jedem Painting, überströmt von Farbe, man entdeckt sie nur bei genauem Hinsehen.

Die Werke entstanden direkt vor dem inspirierenden Schauplatz der Spielcasinos in Las Vegas.

So wie die Farben der Symbole verschwimmen, wenn sich die Rollen der Slotmachines drehen, verschwimmen durch den Wind der Rotoren die Farben auf der Leinwand. Die Landungen auf den Paintings versinnbildlichen den Wunschtraum der Spieler, die Rollen an der richtigen Stelle anzuhalten zu können.

Zwei magische Serien zeigen diesen Prozess: „The Gamble“ und 7 Monate später „The Joker“. Denn Heiner Börger kam nach dem ersten „Strike“ noch einmal zurück. So wie ein Spieler, der, nachdem er alles verspielt hat, sich noch ein letztes Mal Geld besorgt, um nun alles auf eine Karte setzen. Dieses zweite Set entstand an der gleichen Location in Las Vegas.

Und diese Joker sind echte Joker! Neongelb, magentafarben und ultraviolett zeichnen sich faszinierende Wüstenlandschaften auf den farbüberströmten Paintings ab. Wie durch Zauberhand geschaffen, funkeln und glitzern die Oberflächen. Traum oder Wirklichkeit? Schein oder Sein? Das weiß man in Las Vegas nie so genau…

2011 Individual Artworks, Deutschland

Das Gute an handgemachten Dingen ist, dass sie die Spuren ihrer Entstehung sichtbar in sich tragen. Und trotz aller Perfektion finden sich oft charmante minimale Abweichungen von der Norm.

Manchmal geht auch etwas schief. Das ist bei HELI-ART nicht anders. Auch wenn hier „Hand-made“ eigentlich „Helicopter-made“ heißen müsste. So entstand zum Beispiel das Werk „ohne Titel mit Schmiss“. Setzt der Helicopter nur eine Spur zu fest auf der Leinwand auf oder ist die Kufe verkantet, dann bricht der Keilrahmen oder - wie bei diesem Gemälde - die Leinwand reißt auf. Trotz oder gerade deswegen ist dieses Helipainting ein ganz besonderes Kunstwerk. Zeigt es doch die Risiken von HELI-ART und die Wichtigkeit von Präzision neben all der künstlerischen Arbeit.

2010 Individual Artworks, Deutschland

„Be Square“: eine 3-teilige Serie, die - wie fast alle Paintings von Börger - in All-over-Technik produziert wurde. Bei dieser Technik, die in den 60er Jahren von Action Painting-Star Jackson Pollock etabliert wurde, gibt es kein Oben, Unten, Rechts oder Links. Jede Stelle der Oberfläche ist gleichberechtigt. Die quadratische Form der Paintings unterstreicht diese Philosophie, denn auf diese Weise gibt es auch keinerlei Unterschiede in den Kantenlängen, die möglicherweise eine räumliche Orientierung induzieren würden.

Die drei Werke lassen sich einzeln, aber auch als Triptychon hängen. Eines der Paintings weist einen Schmiss auf, einen kleinen Riss in der Leinwand, entstanden bei einer wohl etwas unvorsichtigen Landung. Die ungewöhnlichen grün-orangenen Farben mit den gelben Kufenspuren lassen verschiedenste Interpretationen zu – wozu der Titel ja auch einlädt, denn er kann sich sowohl auf die Form, als auch auf den Inhalt beziehen. Denn square heißt im Englischen sowohl „quadratisch“ als auch „ein bisschen exzentrisch”. „Be Square“ als künstlerische Lebensphilosophie?

2009 Timeflight, Rheinland-Pfalz, Deutschland

Ein Projekt zum Thema Zeit, bestehend aus 24 Einzel-Paintings, analog zu den 24 Stunden des Tages.

Angeordnet wie das Ziffernblatt einer Uhr entstand diese Werkserie in ganz genau einer Stunde bzw. in ganz genau keiner Stunde – je nachdem, wie man es nimmt. Denn der Entstehungsprozess fand während einer jener magischen Stunden statt, in denen die Zeiger unserer Uhren für sechzig Minuten angehalten werden und die Zeit scheinbar stehen bleibt: genau zum Zeitpunkt der Rückstellung von Sommer- auf Winterzeit am 23. Oktober 2009 um 02:00 Uhr nachts.

Zu dieser Stunde taucht das Fehlen des Sonnenlichtes unsere Welt in tiefe Schwärze. Antizipierend dazu bestehen die Farben des Time Flights aus dem ganzen satten Spektrum des Sonnenlichtes. Tiefes Blau steht für die Nachtstunden, Grün und Türkis zeigen die frische Morgenstimmung an, Gelb markiert die Mittagszeit, Orange steht für den Nachmittag und intensives Rot lässt den Tag in warmen Tönen zu Ende gehen.

Mit goldgetränkten Kufen landete der Künstler einmal auf jedem der 24 Bilder, analog zum Stundenzeiger einer Uhr.

Es war regnerisch und kalt während dieses Kunst-Events. Die Farben brauchten sehr lange, um zu trocknen. Dadurch besitzen die Werke des Time Flights eine ganz besonders dichte Pastosität. Ein schönes Beispiel dafür, wie die natürlichen Umgebungszustände und die Elemente sich abstrakt in den HELI-PAINTINGS widerspiegeln.

2008 The Glaciers, Deutschland

Eine neunteilige Serie, die die Grund-Idee von HELI-ART auf den Punkt bringt: das Zusammenspiel von Natur, Mensch und Technik. Im Guten wie im weniger Guten.

Was passiert, wenn Menschen mit ihren technischen Erfindungen in die Natur eingreifen? Damit beschäftigt sich die Serie „The Glaciers“, die in drei Phasen das Abschmelzen der Gletscher beschreibt.

Kühle Blautöne führen in die eisige Bergwelt. Eis scheint auf den dichten Farboberflächen zu vibrieren, man ahnt förmlich, wie es bricht, kracht und schmilzt. Jedes Farb-Ensemble steht für einen anderen Schmelz-Zustand.

Die Kufenspuren diagonal im Bild symbolisieren den Eingriff des Menschen in die Natur. Mal sind sie markant, wirken fast brutal, manchmal eher zart und fast unscheinbar. Dennoch sind die Spuren überall deutlich zu sehen und auf den Oberflächen nicht rückgängig zu machen. Weder in der Natur noch auf dem Painting.

2008 Red Monks, Taunus, Deutschland

Die Entstehung dieser Serie beruht auf einer geheimnisvollen Überlieferung aus dem späten Mittelalter. Es muss etwa das Jahr 1508 gewesen sein.

An einer alten Mühle, in einem tiefen Tal inmitten der Wälder des Taunus gelegen, trug es sich damals zu, dass die kleine Tochter des Müllers eines Nachts nicht schlafen konnte. Der Vollmond erhellte die dunklen Wälder ein wenig und so beschloss das Mädchen, einen kleinen nächtlichen Spaziergang zu machen.

Unweit des Hauses entdeckte es mitten in der Nacht einige geschäftige Gestalten. Sie trugen purpurrote Mönchs-Kutten und hatten es offenbar ziemlich eilig. Still und leise verschwanden sie einer nach dem anderen in der Scheune, einem kleinen Anbau der Mühle.

Neugierig geworden, näherte sich das Mädchen dem Gebäude und warf einen Blick durch das Schlüsselloch der verschlossenen Tür. Im flackernden Licht einiger Kerzen sah es die roten Mönche ihre Taschen ausleeren. Unzählige goldene Münzen kamen zum Vorschein und unter ihren Roben hatten einige der Mönche noch weitere goldene Schätze versteckt. Das Mädchen klopfte an die Tür. Doch das verschreckte die Mönche und wie von Zauberhand löste sich die ganze Szenerie auf und verschwand vor den Augen des Mädchens.

Am nächsten Morgen erzählte das Mädchen sogleich seinem Vater von der Entdeckung. Zusammen sahen sie in der Scheune nach. Doch alles, was sie fanden, waren ein paar verloschene Kerzenstummel… Die roten Mönche waren nie mehr gesehen, geschweige denn das viele Gold.

Inspiriert von dieser Geschichte produzierte Börger anlässlich ihres 500. Jubiläums vier „Red Monks“.

Abstrakt schimmern die Farben Rot und Gold wie in nächtlicher Dunkelheit und entführen in die Welt der Phantasie. In der Überlieferung zerstört das Klopfen des Mädchens die Phantasiewelt. In den Paintings sind es die Spuren der Landung, die der Phantasie die Realität entgegensetzen.

2007 The 12 Apostels and the Spirit of God, Kapstadt, Südafrika

Mit der Serie „The 12 Apostles & the Spirit of God“ interpretiert der Künstler ein berühmtes Wandgemälde der abendländischen Kunst: Leonardo da Vincis „The Last Supper“, im Original zu finden im Refektorium des Dominikanerklosters Santa Maria delle Grazie in Milano.

Dabei nähert sich Heiner Börger nicht nur vom Motiv her dem italienischen Allround-Genie. Denn da Vinci ist auch derjenige, der mit seinen visionären Entwürfen eines Flugapparates mit Drehflügeln als absoluter Vorreiter der heutigen Helicopter-Technik gilt.

Vor der monumentalen Kulisse der Gebirgskette „The Twelve Apostles“ realisierte Heiner Börger im Jahre 2007 eine abstrakt-moderne Vision eines der bekanntesten Kunstwerke da Vincis und benutzte dabei den Hubschrauber, von dem da Vinci immer geträumt hatte.

2007 The Glorious Nine, Sigmaringen, Deutschland

Um die neun glorreichen Ritter rankt sich die Sage, dass sie ihre Festung voller Frauen und Kinder mit nur neun Mann gegen übermächtige feindliche Truppen so lange verteidigten, bis rettende Hilfe kam. Durch eine List waren die eigenen Leute zunächst an einen falschen Kampfplatz gelockt worden.

Die Machart dieser Serie steht für die Brutalität und Härte der mittelalterlichen Kämpfe. Metallisches Grau wie das der Rüstungen, jedoch kaum noch zu sehen vor lauter (Blut-)rot. Dazu Gräser und Halme als Spuren des Kampfplatzes.

Die schwarz gefärbten Kufen des Helicopters benutzte der Künstler wie Lanzen in einem Reiterkampf. Ungestüm flog er auf die Bildflächen los und hinterließ lange und tiefe Spuren, die sich in das triefende Rot förmlich eingruben. So wirken die „Glorious Nine“ außergewöhnlich kraftvoll, ja martialisch. Sie stehen für Kampfgeist, Mut und Tapferkeit.

2007 Icarus in the Sky, Deutschland

Ikarus. Wenn nicht seine Flügel in der Sonne geschmolzen wären, wie weit wäre er wohl gekommen? Vielleicht hätte er diesen Anblick gehabt. Myriaden von Sternen und Galaxien: schimmernd, leuchtend, strahlend, sich selbst übertreffend in immer neuer Pracht.

Mystisches Gold auf tiefem Nachtschwarz inspirierte zu einem weiteren Diptychon, den „Synapsen“. Die Strukturen auf diesem Doppel-Werk sind wundersam verästelt und rätselhaft symmetrisch verzahnt. Sie schießen, rasen, zucken wie Gedankenblitze. Manche abrupt gestoppt, manche sich wiederholend und fortentwickelnd wie traumhafte Assoziationen im Schlaf. Einige Gedanken springen über zur anderen Seite, andere setzen sich drüben nur noch als vager Schatten ihrer selbst fort. Unendlich vieles ist zu entdecken. Phantastisch – im wahrsten Sinne des Wortes.

2006-2007 Individual Artworks Ein blauer Start

Blau war eine dominierende Farbe in Heiner Börgers ersten Phase. „Golden Lake”, “Lost in Blue”, “Grasshopper”: alles Werke in Blau.

“Manta Ray Blue”: Wellen schweben fühlbar über die Oberfläche. Mal leise und fast transparent, mal laut tosend mit samtiger Anmut. Wie ein Blick vom Meeresgrund nach oben: Licht schimmert durch die Oberfläche. Das Blau des Himmels färbt auch das Meer blau ein. Mantas werfen ihre fliegenden Schatten in die Tiefe. Die Gemeinsamkeiten der Elemente werden klar. Unter Wasser ist über Wasser: Halme und Landespuren verkehren die Welten.

Auch die Liebe ist blau – jedenfalls auch für den Künstler. Jeder kennt die Liebe und doch sieht jeder „sein Blau“ etwas anders und verbindet es mit den unterschiedlichsten Emotionen. Das spiegelt sich wider in diesem explosiven blauen Werk. Und so wie die Liebe ihre seelischen Spuren in unseren Herzen hinterlässt, hinterließen auch die Kufen des Helis ihre Schlieren, Flecken und Tupfen im tiefen Blau von „Landing in Love“.

2006 HELI-ART is born!

Eye Catcher! Das erste Heli-Painting entstand auf dem Tischnek, einer Hochebene im Schwarzwald. Nach mehreren Jahren des Experientierens mit Farben, Pigmenten und natürlich mit dem Helicopter funktionierte die Idee tatsächlich.

Wild, laut und ungestüm wie der Helicopter sind die Farben. Sanft, fast zart hingegen wirken die Spuren des Rotorwindes. Halme, Blüten und Insekten, eingeschlossen in der Farbe, bilden eine Entstehungs-Signatur. Die erste vorsichtige Landung hinterließ fast unscheinbar ihre Kufenspur in der Bildmitte. Die Leinwand hat dem Druck der Kufen standgehalten. Das Bild lebt und eine neue Kunstform ist geboren.